“The Role of Memory in the Sense Of an Ending”

Prakruti B. Bhatt

Roll:no. 12

Paper: 13 - The New Literature

Date: 12/03/2014

Guide: Dr. Dilip Barad

Submitted to - Dept. Of English

“The Role of Memory in the Sense Of an Ending”

The Sense of an Ending is about "memory and time”. The book opens with a short list of memories. not all of which the as yet unnamed narrator actually saw. Immediately we’re on warning, if one of these memories is imagined rather than real, can any of them be trusted? As the narrator says, “what you end up remembering isn’t always the same as what you have witnessed.”

From there the novel develops in two reasonably distinct halves. The first is the narrator’s (who we eventually learn is named Tony) memories of his final years at school and his early years at university. The key here is that as a reader we’re not experiencing Tony’s early life directly, we’re experiencing what he remembers it as being like which may not be the same thing at all. This is underlined, time and again, with barely a page passing without Tony Barnes reminding the reader that none of this can necessarily be trusted.

A new boy, Adrian, joins the school and becomes a key member of Tony’s small clique of friends. They consider themselves philosophers, intellectual rebels, they look to great art and literature for inspiration and they are convinced as was I and as no doubt were many reading this that they have insights that the old and adult world never knew or has long since forgotten. They look down on those around them with all the haughty certainty of adolescence, and they look forward to lives which whatever they may be will not be like their parents, or so at least they hope.

The Sense of an Ending is written from the perspective of Tony Webster as he reflects on a relationships that shaped his life. The narrative – at least in Part One – is written as a recollection. But not a factual recollection. Tony concedes that Part One is made up of his imperfect, shabby memories which, even as he writes, he realises are inaccurate. 

A few incidents that have grown into anecdotes, to some approximate memories which time has deformed into certainty. If I can’t be sure of the actual events any more, I can at least be true to the impression those facts left. That’s the best I can manage.And so the narrative voice brings us face-to-face with the shoddy reality of one’s own memory, prompting me at least to consider my experiences of having my own memories proven wrong.

The Sense of an Ending reminds us of the uncertainty of memory and cautions us against drinking too pensively nostalgia’s nepenthe. Julian Barnes’ has achieved something remarkable with this text, creating a work that is honest in its inaccuracy, that is genuine in its falsehood. 

Through the narration of The Sense of an Ending, its protagonist Tony Webster teaches himself a set of lessons about the erratic itineraries of memory. We could say that a reflection is offered on how the chronological time of life gets itself undone through the durational time of memory. But realizing, by which I mean assuming in everyday behavior, ourselves as divided by chronology and duration does not place us outside either. They carry us on forward in time. Even in moments of realizing ourselves as split by chronology and duration, we dance free-style to the beats of being and time. Living implies constant narrative shifts, adjusting to the rhythms of our truths, lies, and indifferences Memory, as Barnes understands it and as Tony is forced to realize is far more edited than we'd like to believe.

"I have a brother who's a philosopher," Barnes says. "He maintains that almost all memories are false, all fallible, and that memory is the act of imagination, rather than the act of a lucid remembering machine somewhere up in our brains. I have a more sort of old-fashioned, pragmatic view of memory. But I certainly increasingly think that it's not only faulty but sometimes over-reliant on the imagination."

Memory, individual rather than collective, accounts for who we are and what we have become. And early memory is particularly valuable, though it can be misconstrued. Its influence can persist throughout adult life, though what is cause and what effect may be difficult to judge. In this short but compelling novel Julian Barnes tracks the origin of one particular memory through a long and apparently uneventful life towards an explanation that leaves traces of unease that are difficult to dismiss. 

The facts are quite simple. Three school-friends, of whom the narrator, Tony Webster, is one, are joined by a fourth, Adrian Finn, who is much cleverer than any of them. They age and lose contact with one another. But Webster, eventually married and divorced, cannot rid himself of the memory of his former girlfriend, Veronica, at whose family home he once spent a weekend. At the time he had felt uncomfortable, socially inferior, and he was hardly surprised when the enigmatic Veronica took up with the more prestigious Adrian. His early misconception hardens imperceptibly into a mystery that is exacerbated when he learns of Adrian’s suicide. Nor can he understand why Veronica’s mother should leave him a small legacy and the news that she possesses Adrian’s diary. 

These facts throw into relief his inability to reconstruct his relations with either Adrian or Veronica. What remains in his memory is the discomfort he felt on that weekend, a discomfort he cannot explain even at an advanced age. The clue might lie in the diary, but attempts to get hold of it are unavailing. He is up against an initial misalliance to which others are being added, containing the same characters but no further explanation. 

Webster’s attempts to resolve this enigma form the bulk of this clever novel, in the course of which it becomes clear that the character of Veronica is pivotal. Even her random impulses, to which Webster had become accustomed, seem opaque. The explanation, when it comes, is so fortuitous that it throws into doubt that early unease and what Webster had made of it. The unease had been, and had remained, authentic. This is a fact to which others are gradually added. 

Going back in his mind, Webster unearths another memory of that uncomfortable weekend: the odd kindness of Veronica’s mother and her eventual legacy. His reading of the incident had been inconclusive: later reconstructions supply more clues. Finally he accepts an alternative version, which turns out to be the correct one, though it is a betrayal of all concerned. 

“An issue of Culture and Language in A Grain Of Wheat”

Prakruti B. Bhatt

Roll:no. 12

Paper:14 - The African Literature

Date: 12/03/2014

Guide: Heenaba Zala

Submitted to - Dept. Of English

“An issue of Culture and Language in A Grain Of Wheat” 

Ngugi wa Thiong’o, a Kenyan writer of Gikuyu descent, began a very successful career writing in English before turning to work almost entirely in his native Gikuyu. In his 1986 Decolonising the Mind, his “farewell to English,” Ngugi describes language as a way people have not only of describing the world, but of understanding themselves. For him, English in Africa is a “cultural bomb” that continues a process of erasing memories of pre-colonial cultures and history and as a way of installing the dominance of new, more insidious forms of colonialism. Writing in Gikuyu, then, is Ngugi’s way not only of harkening back to Gikuyu traditions, but also of acknowledging and communicating their present. Ngugi is not concerned primarily with universality, though models of struggle can always move out and be translated for other cultures, but with preserving the specificity of his individual groups. In a general statement, Ngugi points out that language and culture are inseparable, and that therefore the loss of the former results in the loss of the latter: specific culture is not transmitted through language in its universality, but in its particularity as the language of a specific community with a specific history. Written literature and orature are the main means by which a particular language transmits the images of the world contained in the culture it carries.

Language as communication and as culture are then products of each other.  Language carries culture, and culture carries, particularly through orature and literature, the entire body of values by which we perceive ourselves and our place in the world. Language is thus inseparable from ourselves as a community of human beings with a specific form and character, a specific history, a specific relationship to the world. 

The character in the novel each see Kenya and Uruhu from individual unique perspectives. They however, cannot fully see each other’s truths and each other’s lives. The biggest divisions that separate them are those of cultural. The white upper class in British. They bring with them not only British technology, soldiers, and weapons, but also British culture. Culture is what Thompson desperately wants to impose upon Africa, and he sees British culture as the height of human accomplishment. He doesn’t truly understend that the Kenyans also have a culture, and he cannot accept that the culture of kenyans could be equivalent in value to the culture of the British.

Meanwhile, the Kenyans do not see the British perspective. The British are merely tyrants and oppressors. There is nothing redeeming is Thompson to Mugo, when Thompson is spitting in his face or whipping him. “These people” are not human to Gikonyo, Kihika, or Mugo, just as Thompson does not consider the Kenyan men and women truly people.

All people look at the world from their own unique perspective. The people of the town see Mugo from one perspective, as a hero, while he is unaware of the people’s admiration and is torn up with guilt. The townspeople see Gikonyo as successful and admirable, a businessman who has pulled himself together after detention. Meanwhile, Gikonyo’s own perspective is that his life has fallen apart since returning from detention. The disparity between a private life and public appearance is a microcosm of the rift between culture and culture.

The words which characters use to refer to others show their perspectives and cultural division. The Kenyan men refer to the British as “these people”. The white men are not individuals. Mwaura adds a diminutive ending to Thompson’s name when he talks about him. Similarly, Thompson uses words to solidify his position of power. After spitting in Mugo’s face, he demands that Mugo use a term of respect with him. Thompson is using words to humiliate Mugo and to make himself more powerful.

The novel uses local terms for important elements of life in Kenya. A shamba is a plot of land to farm, the origin of life. Another example is a panga, a local farming implement and part and part of the way of life of the Kenyans. When the kenyans refer to elements of British culture, they often put them into cultural contexts of Kenya. That is why the train is known as the iron snake and why guns are compared to bamboo sticks.

The last chapter of the novel is titled Harambee. This is a Swahili word meaning a coming together. It has a dual meaning. The Kenyan people are coming together as a community under an independent government, and also Gikonyo and Mumbi are coming together to a new, tentative understanding of each other. This emphasizes the parallels in the novel between large, social issues and personal, human issues. Unity and communication are the thing to strive for, both on the societal and the individual levels. 

Mau mau Emergency in A Grain of Wheat presented for the first time an African perspective on the Kenyan armed revolt against British Colonial rule during the 1950.A GRAIN OF WHEAT marked Ngugi’s break with cultural nationalism and his embarking of fanonist Marxism. It is the allegorical story of one man’s mistaken heroism and a search for the betrayer of a Maumau leader.Ngugi wa Thiongo portrays the disruption of Kikuya society as a result of the invasive pressure of colonialism.He depicts the struggle against colonial rule that culminated in Kenya’s acquisition of independence 1963, and traces the betrayal, by a corrupt post colonial state, of the hopes which had been invested in self-government. Multi-narrative liens and multi-viewpoints unfolding at different times and spaces replace the linear temporal unfolding of the plot form a single viewpoint. The collective replaces the individual as the center of history. Ngugi’s fiction reflects his abiding concern for the poor of Kenya who have been displaced by white colonialists and by African opportunists who seized power after independence. His early novels, all explore the detrimental effects of colonialism and imperialism.

“Cinema”

Prakruti B. Bhatt

Roll:no. 12

Paper: 15 - Mass Communication and Media Studies: An Introducation

Date: 12/03/2014

Guide: Dr. Dilip Barad

Submitted to - Dept. Of English

“Cinema”

Basic Introducation:-

“Cinema has several meanings like a movie, film making, etc. But many people refer it as a movie theatre.”

Impact of cinema :-

Now a days movies have a great impact on not only youth but also on children. Impact mainly depends on us, any movie will have bad and good and it is ourselves should able to distinguish between them. People watching too much of movies .People get very much attracted to the roles that involve interesting characters. They try to imitate such roles.

Positive Impact

The positive impact is-

Any kind of good behaviour of a character can affect the mind of a person and he/she can try to inculcate it in his/her life.Sometimes even sad movies help us to be thankful for what we have. It might make us feel lucky and leave a positive impression on our lives.If there is any kind of educational value or a great person’s life in the movie, people might try to do the same for a happy ending in their lives just like the movie.

Negative Impact

The negative impact is-

People try to copy stunts which the heroes of the movies do; thinking that they are brave which leads them to injure themselves. It can range from a minor bruise to a major fracture.Movies play an essential role in teaching a person; especially a child to accept ideas like a criminal attempted to murder, a victim attempted suicide, to hit a person in a cruel way or to do things using violent ways.Some children are fascinated by fiction movies which can affect their mind and they are not able to differentiate between real life and fiction life.Some horror movies can fear people and children a lot that they get scared of everything and never try to face it.Cinema effects health. Long movies can affect a person’s eyes. Watching a movie can make him very restless.

In detailed..........

Cinema has become the most influential art form of 20th century from its margingal beginnings. India holds eminent position in film making in the world. It produces highest number of films every year. Whatever may be the quality of the film, they continue to be the popular mass media. Earlier, cinema was a simple means of mechenical recording,preserving and reproducing moving visual images. With the development of film technology, the art of cinema developed a language of its own. Kumar says,that cinema is called “the seventh art”, and its language has developed over the past 70-80 years to a speciliased and sophisticated level, opinion differ, however on whether cinema is a ‘pure’ art form or a ‘bastard’ art.

‘Cinema’ and ‘films’ are used interchangeably but there is a difference between these two terms. Cinema has specific means to create imaginary time and space, and utilization of these means defines how cinematic a film is. Imaginary time can be created through movement by means of montage, camera movements and movement within the frame and through sound of human voice, music and noise. Space can be created through image with the help of size of shoots, camera angle , deapth of field, montage and through sound ‘off screene’. Films are made of stories dance, music, drama, photography, painting, architecture and many other things that we call cinema. Filems mean the particular movies that we see with all the elements they contain and cinema means the sum of the means made possible only by film technology which distinguish cinema. 

A SHORT HISTORY OF INDIAN CINEMA 

Following the screening of the lumiere moving pictures in london(1895) cinema became a sensation across europe and by july 1896 the lumiere films had been in show in bombay.The full-length motion picture in india was produced by Dadasaheb Phalke, a scholar on india’s languages and culture, who brough together element form Sanskrit epics to produce his Raja Harish Chandra(1913), a silent film in Marathi. The female roles in the film were played by male actors. During the early twentieth century cinema as a medium gained popularity across india’s population and its many economic section. Tickets were made affordable to the common man at a low price and for the financially capable additional comforts meant additional admission ticket price. Audiences thronged to cinema halls as this affordable medium of entertainment was available for as low as an anna (4 paisa) in Bombay. The content of indian commercial cinema was increasingly tailored to appeal to these masses. Young indian producers began to incorporate elements of india’s social life and culture in to cinema. Others brought with them ideas from across the world.This was also the time when global audiences and markets become aware of india’s film industry. As sound technology advanced the 1930 saw the rise of music in indian cinema with musicals such as indra sabha and Devi Devyani marking the beginning of song-and-dance in india’s films. Studios emerged across major cities such as Chennai. Kolkata, and Mumbai as film making become an established craft by 1935, exemplified by the success of Devdas, which had managed to enthrall audiences nationwide.The Indian Masala film-a slang used for commercial film with songs, dance, romance etc.- came up following the second world war. The partition of india fillowing its independence divided the nation’s assets and a number of studios went to the newly formed Pakistan. The strife of partition would become an enduring subject for film making during the decades that followed. After Indian independence the cinema of indian was inquired by the S.K.Patil commission. S.K.Patil, head of the commission, viewed cinema in india as a ‘combination of art, industry, and showmanship while noting its commercial value. Patil further recommended setting up of a film Finance corporation under the Ministry of Finance. This advice was later taken up in 1960 and the institution came into being to provide financial support to talented filmmakers throughout india. The Indian government has established a films Division by 1949 which eventually become one of the largest documentary film producers in the world with an annual production of over 200 short documentaries, each released in 18 language with 9000 print for permanent film theaters across the country. Commercial Hindi cinema further grew throughout the 1980 and the 1990. 

There have generally been six many major influences that have shaped the conventions of Indian popular cinema. 

• The first influence was the ancient Indian epics of Mahabharata and Ramayana which have exerted a profound influence on the thought and imagination of Indian popular cinema, particularly in its narratives.
• The second influence was the impact of ancient Sanskrit drama, with its highly stylized nature and emphasis on spectacle, where music, dance and gesture combined “to create a vibrant artistic unit with dance and mime being central to the dramatic experience.
• The third influence was the traditional folk theatre of india, which became popular form around the 10th century with the decline of sanskrit theatre. These regional tradition include the yatra of Bengal, the Ramila of Uttar pradesh, and the Terukkuttu of Tamil Nadu.
• The fourth influence was Parsi theatre, which “blended realism and fantacy, music and dance, narrative and spectacle, earthy dialogue and ingenuity of stage presentation, integrating them into dramatic discourse of melodrama.
• The fifth influence was Hollywood, where musicals were popular form the 1920 to the 1950, though indian filmmakers departed from their Hollywood counterparts in several ways.
• The final influence was Western musical telivision, particularly MTV, which has had an increasing influence since the 1990, as can be seen in the pace, camera angles, dance sequences and music of recent Indian films. An early example of this approach was in Mani Ratnam’s Bombay(1995). 

Types of Cinema:

Hindi Cinema:- 

The Hindi language film industry of Mumbai- also known as Bollywood- is the largest and most popular branch of indian cinema. Hindi cinema initially explored issues of caste and culture in films such as Achhut Kanya(1936) and Sujata(1959). International visibility came to the industry with Raj Kapoor’s Awara. Hindi cinema grew during the 1990 with the release of as many as 215 films. With Dilwale Dulhania Le Jayenge, Hindi cinema registered its commercial presence in the Western world. In 1995 the Indian economy began showing sustainable annual growth, and Hindi cinema, as a commercial enterprise. The salary of lead stars increased greatly. Many actors signed contracts for simultaneous work in 3-4 films. Institutions such as the industrial development Bank of India also came forward to finance Hindi films. A number of magazines such as Filmfare, Stardust, cineblits, etc..., became popular.

Gujarati Cinema:-

The film industry of Gujarat started its journey in 1932. Since then Gujarati films immensely contributed to Indian cinema. Gujarati cinema has gained popularity among the regional film industry in India. Gujarati cinema is always based on scripts from mythology to history and social to political. Since its origin Gujarati cinema has experimented with stories and issues from the Indian Society. The scripts and stories delt in the Gujarati films are intrinsically humane. The include relationship- and family-oriented subjects with human aspirations and deal with Indian family culture. Thus, there can be no turning away from the essential humanity of these Gujarati cinema. The first Gujarati movie, Narasinh Mehta, was released in the year 1932 and was directed by Nanubhai Vakil.

Bhojpuri cinema:-

Bhojpuri language films predominantly cater to people who live in the regions of western Bihar and eastern Uttar Pradesh. These films also have a large audience in the cities of Delhi and Mumbai due to migration to these metros from the Bhojpuri speaking region. Besides India, there is a large market for these films in other Bhojpuri speaking countries of the west Indies, Oceania, and South America. Bhojpuri language film’s history begins in 1962. Although a smaller industry compared to other Indian film industries, the extremely rapid success of their films has led to dramatic increases in Bhojpuri cinema’s visibility, and the industry now supports an awards show and a trade magazine Bhojpuri City.

Bengali cinema:-

The Bangali language cinematic tradition has had reputable filmmakers such as Satyajit Ray, Ritwik Ghatak and Mrinal Sen among its most acclaimed. Recent Bengali films that have captured national attention include Rituparno Ghosh's Choker Bali, starring Aishwarya Rai. Bangali filmmaking also includes Bangla science fiction films and films that focus on social issues. In 1993, the Bengali industry’s net output was 57 films. The history of cinema in Bengal dates back to the 1890, when the first “bioscopes” were shown in theatres in kolkata. The ‘parallel cinema movement began in the Bengali film industry in the 1950. A long history has been traversed since then, with stalwarts such as Satyajit Ray, Mrinal Sen, Ritwik Ghatak and others having earned international acclaim and securing their place in the history of film.